Marsden Hartley (1877–1943) é um dos nomes mais singulares do modernismo americano. Nascido em Lewiston, no estado do Maine, cresceu em um ambiente de natureza intensa e comunidades costeiras que, anos mais tarde, seriam matéria-prima de sua arte. Sua trajetória é marcada por deslocamentos — tanto geográficos quanto estéticos —, passando por Nova York, Berlim, Paris e o Caribe, sempre em busca de novas linguagens visuais.

Hartley não foi um artista preso a um único estilo. Experimentou o cubismo, o expressionismo, o simbolismo e, em seus últimos anos, uma forma própria de abstração. Apesar dessa diversidade, há um fio condutor que atravessa toda sua produção: a atenção rigorosa à forma e ao peso visual de cada elemento. Ao olhar para sua obra em ordem cronológica, vemos como momentos específicos de sua vida moldaram sua pintura.

 

 

Primeiros estudos e natureza morta simbólica (c. 1910–1912)

No início da década de 1910, vivendo entre Nova York e Maine, EUA, Hartley começava a se afastar do realismo tradicional que aprendera em sua formação inicial. Frequentava círculos de artistas modernistas e absorvia influências de exposições internacionais, especialmente das vanguardas francesas. Foi também nesse período que se aproximou de Alfred Stieglitz, fotógrafo e marchant que seria um importante apoiador.

 

 

Bowl of Fruit é um marco dessa fase. A fruteira, pintada com contornos definidos e formas sólidas, não é tratada como simples natureza-morta decorativa. Cada fruta parece ocupar um espaço preciso, calculado para equilibrar a composição. O uso de cores controladas e volumes compactos sugere que Hartley estava mais interessado na estrutura do quadro do que no aspecto literal do objeto.

 

 

Em Movement No 10, vemos a introdução do movimento como conceito pictórico. Não há figuras correndo ou objetos em deslocamento; o dinamismo está na relação entre formas, planos e cores. Essa obra revela um artista que já entendia a pintura como construção intelectual, não apenas representação.

Durante esse período, o isolamento em Maine foi essencial. Longe da pressão das galerias e da vida urbana, Hartley podia estudar e experimentar livremente, construindo a base para suas explorações futuras.

 

 

Berlim e a força da geometria (1913–1915)

A viagem a Berlim, em 1913, colocou Hartley no centro de um cenário artístico efervescente. A cidade era ponto de encontro de pintores ligados ao Der Blaue Reiter, ao futurismo e ao cubismo, e vivia um clima de inquietação política. Hartley se encantou com a vitalidade cultural e se envolveu com artistas, colecionadores e intelectuais que expandiram seu repertório visual.

 

 

Rubber Plant mostra como ele adaptou a linguagem cubista a temas simples do cotidiano. A planta de interior é construída com planos facetados e contrastes fortes, rompendo a ideia de fundo neutro. O espaço é fragmentado, e a luz não segue regras naturalistas — tudo é pensado para destacar a construção pictórica.

 

 

Em Pink and White Flowers in a Vase, as flores deixam de ser frágeis e passam a ter presença monumental. As pétalas são massas sólidas, o vaso é um bloco ancorado na base da composição. Essa abordagem dialoga com o expressionismo, que não buscava a delicadeza do registro fiel, mas a intensidade da sensação transmitida.

O período berlinense foi também marcado por perdas pessoais. A morte de um amigo próximo, soldado alemão, impactou profundamente Hartley, levando-o a criar séries carregadas de simbolismo militar e cores vibrantes. Embora essas obras não estejam entre as selecionadas aqui, elas influenciaram diretamente seu uso da cor e sua preferência por composições verticais e compactas.

 

 

O simbolismo místico e o mar de Maine (década de 1930)

Após anos de deslocamentos, Hartley retornou a Maine. A familiaridade da paisagem costeira e da vida pesqueira reacendeu memórias da juventude, mas agora filtradas por uma longa trajetória artística. O resultado foi uma pintura menos preocupada com tendências internacionais e mais voltada para uma linguagem pessoal.

 

 

Sea Ghosts condensa essa fase. A composição vertical, com peixes dispostos como se fossem ícones ou estandartes, combina a cultura marítima local com um sentido quase espiritual. É como se Hartley estivesse criando um altar para o mar. A paleta é sóbria, e a superfície pictórica é construída com atenção às texturas, evocando tanto as escamas quanto o movimento da água.

Nessa fase, Hartley via o mar não apenas como cenário, mas como metáfora de permanência. Ele se aproximava de pescadores e moradores locais, registrando mentalmente gestos, objetos e atmosferas que depois se transformavam em símbolos em suas telas. O resultado é um corpo de trabalho que une observação direta e imaginação, sem se prender ao literal.

 

 

Natureza sintetizada e abstração biomórfica (1930–1940)

Na última década de vida, Hartley seguiu simplificando formas e intensificando o uso de cor como elemento estrutural. Sua pintura se aproximou da abstração, mas sem abandonar totalmente as referências ao mundo natural.

 

 

Flowerpiece é exemplo claro: um arranjo floral que já não obedece às proporções reais, mas à lógica interna da composição. As formas arredondadas e sobrepostas criam um ritmo visual que conduz o olhar, enquanto as cores funcionam como âncoras na superfície.

 

 

Em Movement Bermuda, a paisagem é reduzida a blocos e curvas que lembram tanto rochas quanto ondas. A obra transmite sensação de movimento contínuo, sem depender de figuras humanas ou objetos reconhecíveis.

 

 

Provincetown parece aludir à cidade costeira conhecida como refúgio de artistas, mas o faz por meio de formas robustas, quase escultóricas, que poderiam representar barcos, casas ou pessoas. É uma pintura que desafia a leitura imediata e convida à contemplação lenta.

 

 

Coerência na diversidade

Ao observar a produção de Marsden Hartley em ordem cronológica, percebemos que, apesar das mudanças radicais de estilo, sua obra mantém uma coerência: a valorização da forma como núcleo da pintura. Ele foi um artista que absorveu influências diversas — do cubismo francês ao expressionismo alemão, da arte popular de Maine à luz tropical — e as filtrou em uma linguagem própria.

Sua carreira também reflete o papel do artista moderno como viajante e intérprete cultural. Hartley levou para o exterior imagens e sensações americanas, e trouxe de volta uma visão transformada do mundo, que se manifestou em suas composições equilibradas e carregadas de intenção.